5 Que Ver es un intento de crear un trabajo de curación en los servicios de streaming, muchos tienen grandes películas, desafortunadamente la gran parte se encuentra sepultada debajo de un montón de recomendaciones algorítmicas que rara vez tienen el beneficio del consumidor como prioridad.
Como cada semana, aquí hay 5 películas de un género específico, señalando por qué las recomiendo, los aspectos que recomiendo apreciar, así como una lista de las escenas más importantes (o las más disfrutables). Si ya han visto alguna de estas películas o si las descubren gracias a esta lista, compartan en los comentarios los aspectos que recomiendan apreciar, así como su lista de escenas destacadas, la creatividad en los títulos es siempre bienvenida.
El género de esta semana es la Fantasía. En su trabajo seminal "On Fairy Stories", J.R.R. Tolkien, tratando de definir el género de los Cuentos de Hadas (Faërie), escribió: "La definición de un cuento de hadas -lo que es o lo que debería ser- no depende, pues, de ninguna definición o relato histórico de elfo o hada, sino de la naturaleza de Faërie: el propio Reino Peligroso y el aire que sopla en ese país. No intentaré definirlo ni describirlo directamente. No puede hacerse. Faërie no puede ser atrapada en una red de palabras; porque una de sus cualidades es ser indescriptible, aunque no imperceptible(...) un "cuento de hadas" es aquel que toca o utiliza el mundo de las hadas, sea cual sea su propósito principal: sátira, aventura, moralidad, fantasía. Faerie en sí misma podría traducirse por magia, pero se trata de una magia con un humor y un poder peculiares, en el polo más alejado de los vulgares recursos del mago científico y laborioso. Hay una salvedad: si hay alguna sátira presente en el cuento, no debe burlarse de una cosa, la propia magia. En ese cuento debe tomarse en serio, ni reírse de ella ni explicarla."
A continuación, hay cinco historias sobre protagonistas que visitan el Reino Peligroso (en algunos casos de forma literal, en otros casos de manera metafórica), ya sea en busca de honor o por simple accidente, donde la magia es rara vez descrita, pero siempre perceptible.
No. 1 “La Leyenda del Caballero Verde” de David Lowery.
Recomendación:
La Leyenda del Caballero Verde es uno de los trabajos más desafiantes del cine moderno que he visto, una película que entiende la importancia de la narrativa mitológica sin ser condescendiente con la audiencia. Una obra que en realidad se compromete con su material fuente, sin el cinismo de un aproximamiento posmoderno, ni la ambivalencia meta-moderna. Aunque el desenlace resulte evidente para cualquiera familiarizado con el mito de Sir Gawain y el Caballero Verde, Lowery deja suficiente ambigüedad para permitirle a la audiencia llegar a sus propias conclusiones. En otras palabras, esta adaptación de La Leyenda de El Caballero Verde es un verdadero mito moderno.
Aspectos a apreciar:
La dirección de Lowery: La dirección de David Lowery en La Leyenda del Caballero Verde está llena de lo que llamaría “poesía visual”, imágenes diseñadas para evocar sentimientos, ideas y temas, esto no significa que carezcan de funcionalidad o eficiencia narrativa, pues las imágenes se convierten en la narrativa. La Leyenda del Caballero Verde es un mito preocupado en explorar el verdadero heroísmo en contraste con el temor, y cuando la escena final concluye, puede que la trama no sea resuelta, pero el mito ha cumplido su objetivo.
El Soundtrack de Daniel Hart. La “poesía visual” de Lowery y su Director de Fotografia, Andrew Drop Palermo, es acompañada de un excelente trabajo de parte de Daniel Hart, un soundtrack que parece pertenecer al medievo, la música se siente pagana y sacra en igual medida. Recomiendo en especial las pistas Shape by Your Hands y O Nyghtegale.
El simbolismo: Al ser un mito, una interpretación literal del trabajo es deficiente, aunque no del todo inválida. De cualquier forma, La Leyenda del Caballero Verde es más disfrutable cuando uno se aproxima a este trabajo desde un punto de vista simbólico.
El uso del color: El color es una de las herramientas más importantes de un cineasta porque se puede usar no solo para transmitir emociones, sino también significado simbólico, en La Leyenda del Caballero Verde recomendaría poner especial atención a los colores verde y amarillo.
Escenas destacadas:
El Caballero Verde emite su desafío.
Gigantes en las praderas.
Sir Gawain tiene una epifanía.
Ahora estoy listo.
¿Dónde la veo?
HBO Max, Prime Video.
Aspectos Técnicos.
Título original: The Green Knight.
Dirección: David Lowery.
Guion: David Lowery, basado en el poema del poeta de Gawain.
Elenco Principal: Dev Patel, Alicia Vikander, Joel Edgerton.
Cinematografía: Andrew Droz Palermo.
Año: 2021
Duración: 2 h, 10 minutos.
No. 2 “El Viaje de Chihiro” de Hayao Miyazaki.
Recomendación:
Hayao Miyazaki no solo es un maestro de la animación, también es un maestro del género de la fantasía y puede que El Viaje de Chihiro sea su obra maestra. La fantasía vive y muere por las reglas del mundo que los protagonistas visitan (el "Reino Peligroso" al que se refiere Tolkien), y el mundo que se nos presenta en El Viaje de Chihiro está lleno de reglas: contener la respiración al cruzar un puente, comer alimento del mundo fantástico para no desvanecerse, o conservar tu nombre para no perder tu identidad. Ver El Viaje de Chihiro me recordó a la primera vez que leí El León, La Bruja y El Ropero de C.S. Lewis, esa entrega total al mundo fantástico, lleno de reglas y peligros, un trabajo más bien transportativo en lugar de “escapismo”, que, en el caso de Chihiro se enriquece por la impactante animación. El Viaje de Chihiro es uno de los trabajos de fantasía mejor logrados del Siglo XXI, y que tiene esa rara cualidad de envejecer contigo, siempre adquiriendo un nuevo significado, sin importar cuántas veces la veas.
Aspectos a apreciar:
La animación: Conforme envejezco, más admiro la animación como medio, conforme crece mi admiración por la animación, más crece mi admiración por el trabajo de Estudio Ghibli y de Hayao Miyazaki. El Viaje de Chihiro es uno de los trabajos de animación más impactantes que se han hecho, no solo por su belleza, sino por la complejidad de cada cuadro. La animación tradicional en dos dimensiones es increíblemente laboriosa pues todo lo que aparece en pantalla es el resultado del trabajo de los animadores y el Viaje de Chihiro está llena de detalles que podrían ser innecesarios, como el viento corriendo por una colina, pero que ayudan a que el mundo se sienta vivo y vívido. Esta complejidad en la animación se extiende al diseño de los personajes, ¿es difícil animar el movimiento de un humano? Pues aquí está Kamachi, un ser antropomórfico con seis brazos y el tiempo que tiene en pantalla no es insignificante, hay una escena entera dedicada a la forma en la que hace su trabajo, pero Kamachi solo es el ejemplo de un personaje, El Viaje de Chihiro tiene alrededor de una docena de personajes con diseños complicados y todos están animados a la perfección. Pero quizá lo más admirable de la animación en El Viaje de Chihiro es la manera en la que informa el carácter de sus personajes, al inicio, Chihiro es una niña tímida, nerviosa y torpe, todas estas cualidades son demostradas a través de la animación en la manera en la que se mueve, como espera nerviosa antes de presentarse con Kamachi, la forma en la que jala las palancas de la casa de baños, entre un sin fin de ejemplos más. Es un trabajo verdaderamente impresionante.
El Soundtrack de Joe Hisashi: Las películas de Estudio Ghibli son casi tan famosas por su música, como lo son por su animación, y El Viaje de Chihiro no es la excepción. Misterioso, evocativo y, al final, triunfante, Joe Hisashi entrega una gran pieza musical tras otra. La pista Un día de aquel verano es mi favorita.
La estructura del guion: Uno de los aspectos más admirables del guion de El Viaje de Chihiro es su estructura, pues se adhiere fielmente a los parámetros de “El viaje del héroe”, la teoría de estructura narrativa introducida y popularizada por Joseph Campbell en su libro “El Héroe de los Mil Rostros”. Esta estructura es utilizada con mucha frecuencia, sobretodo en trabajos de fantasía, y su inclusión no siempre es garantía de una gran historia, pero El Viaje de Chihiro es un ejemplo de cómo esta estructura puede ser realmente efectiva y narrativamente satisfactoria.
Escenas destacadas:
Haku y Chihiro cruzan el puente.
Chihiro conoce a Kamachi.
Chihiro conoce a Yubaba.
El espíritu maloliente solicita un baño.
El Sin Rostro consume.
Tomando el tren a la estación 6.
No mires atrás.
¿Dónde la veo?
Netflix.
Aspectos Técnicos
Título original: Sen to Chihiro no Kamikakushi.
Dirección: Hayao Miyazaki.
Guion: Hayao Miyazaki.
Elenco Principal: Rumi Hiiragi, Miyu Irino, Mari Natsuki.
Cinematografía: Atsushi Okui.
Año: 2001.
Duración: 2 h, 5 mins.
No. 3 “Petite Maman” de Céline Sciamma.
Recomendación:
Se dice que hay un momento en la vida de cualquier padre cuando ve a sus hijos como "personas" por primera vez. Por desgracia, eso rara vez sucede con los hijos respecto de sus padres. Petite Maman de Céline Sciamma tiene una premisa fascinante, una niña de visita en la casa de su recién fallecida abuela se encuentra con su mamá, Marion, cuando era niña. Marion está nerviosa por una operación que va a tener en pocos días, Nelly está nerviosa porque su mamá se fue sin previo aviso. Las conversaciones entre Nelly y Marion son motivo suficiente para recomendar Petite Maman, es difícil no ponerse en los zapatos de Nelly y preguntarse, ¿qué harías si tuvieras la oportunidad de conversar con tus padres de niños? ¿Crees que serían amigos? ¿Les reclamarías por futuras transgresiones? ¿O los verías realmente como personas, con sus alegrías, temores y esperanzas para el futuro? Petite Maman es una maravillosa obra de fantasía, elegantemente estructurada, dirigida sin pretensiones y con una duración a penas por encima de una hora, no hay un solo cuadro desperdiciado, es por trabajos como Petite Maman que amo el cine.
Aspectos a apreciar:
La dirección de Céline Sciamma. De los aspectos más admirables de la dirección de Sciamma (quien recibió una nominación a la Palma de Oro por su trabajo previo "Retrato de Una Mujer en Llamas") es su movimiento de cámara o, mejor dicho, la ausencia de movimiento, la cámara se mueve poco, de manera sutil, casi imperceptible, pero permanece fija la mayor parte del tiempo, centrada en el rostro de los personajes, tiene poco interés en lo que están haciendo, estando más preocupada en sus reacciones en relación a lo que están haciendo. También se centra mucho en espacios vacíos, Petite Maman es, en gran medida, una película de ausencia.
El simbolismo: Petite Maman tiene una corta duración, pero no por eso es insubstancial, con una buena dosis de elementos simbólicos y metáforas visuales, recomendaría poner especial atención a la forma de la casa del árbol que está construyendo Marion, y la relevancia que esta adquiere conforme la historia avanza, así como la estructura que más adelante visitan las niñas en su paseo en lancha.
El uso de color. Recomiendo mantener ojo atento a la forma en la que Sciamma emplea el azul y el rojo.
La estructura del guion: El concepto de Petite Maman es, en papel, complicado, por lo que recomiendo analizar la increíblemente elegante forma en la que Sciamma lo resuelve; al escribir muchas veces consideramos que planteamientos complicados requieren de resoluciones complicadas, aquí Sciamma demuestra como una respuesta sencilla puede ser igual de efectiva.
Escenas destacadas:
En este apartado de 5 que ver, normalmente elijo aquellas escenas emblemáticas de la película en cuestión, acompañadas de un título que considero ingenioso, como capítulos en un libro. En el caso de Petite Maman me abstendré de llevar a cabo este ejercicio. Podría formar una lista con el primer encuentro entre Nelly y Marion, así como cada conversación que sostienen, su paseo en lancha y el fenomenal desenlace, pero considero que dividir esta película de esa forma no es una manera adecuada de recomendarla.
¿Dónde la veo?
HBO Max, Prime Video.
Aspectos Técnicos
Título original: Petite Maman.
Dirección: Céline Sciamma.
Guion: Céline Sciamma.
Elenco Principal: Joséphine Sanz, Gabrielle Sanz, Nina Meurisse.
Cinematografía: Claire Mathon.
Año: 2021.
Duración: 1 h, 13 minutos.
No. 4 “La Forma del Agua” de Guillermo del Toro.
Recomendación:
Guillermo Del Toro es de los pocos cineastas actuales preocupados con hacer trabajos de fantasía. Aunque la elección obvia para esta lista sería El Laberinto del Fauno, uno de los mejores ejemplos de un trabajo de Fantasía de este siglo, prefiero aprovechar este espacio para La Forma del Agua, aunque gracias a esta película finalmente obtuvo el Premio de la Academia, por algún motivo no tuvo el mismo impacto cultural que El Laberinto del Fauno, y es más recordada como la película en la que Sally Hawkins tiene sexo con un Hombre-Pescado. Sin embargo, considero que La Forma del Agua es uno de sus mejores trabajos como director y aunque explora temas familiares como el fascismo y su relación intrínseca con la toxicidad masculina, así como el peligro que presenta la obediencia sin consciencia. También explora territorio nuevo, especialmente sobre el amor y la diferencia entre este y el objetivismo (o cosificación) así como el fetichismo. La tesis que propone Del Toro es que el amor es la aceptación, sin condiciones, de la otredad, mientras que el fetichismo es la explotación de la otredad para obtener satisfacción propia.
Aspectos a apreciar.
La dirección de Guillermo Del Toro: Como mencionaba, considero que La Forma del Agua es uno de los mejores trabajos de Del Toro como Director y esto se debe a cada aspecto de la producción, cada elemento de la película está en servicio de la historia: la cámara siempre está en movimiento (aunque a veces de manera casi imperceptible), como si estuviera debajo del agua, jalada por una corriente invisible; el diseño de producción, como el apartamento de Elisa, que parece haber estado sumergido bajo el agua. La Forma del Agua es el perfecto matrimonio entre estilo y sustancia, forma y fondo.
El uso de color: Pocos directores son tan obsesivos con el uso de color como Del Toro, aquí destaca el verde que, en las propias palabras de Del Toro, representa el futuro.
La actuación de Sally Hawkins: Hawkins es una fenomenal actriz de un rango impresionante, aquí su reto es considerable pues debe de carga con la película sin decir una sola palabra y Hawkins cumple con creces.
Escenas destacadas.
Elisa conoce al monstruo.
El escape.
El número musical.
¡Estabas hablando ruso, Bob!
Incapaz de percibir tu forma, te encuentro a mi alrededor.
¿Dónde la veo?
Star+
Aspectos técnicos
Título original: The Shape of Water.
Dirección: Guillermo Del Toro.
Guion: Guillermo Del Toro & Vanessa Taylor.
Elenco Principal: Sally Hawkins, Octavia Spencer, Michael Shannon.
Cinematografía: Dan Laustsen.
Año: 2017.
Duración: 2 h, 3 mins.
No. 5 “Un Monstruo Viene a Verme” de J.A. Bayona.
Recomendación:
Un Monstruo Viene a Verme, en manos menos capaces (o más cínicas), sería un tear-jerker, es decir, una película diseñada para hacer a su audiencia llorar, frecuentemente por medio de manipulación emocional. Afortunadamente, el guion de Patrick Ness es lo suficientemente complejo y la dirección de Bayona lo suficientemente sincera para evitar la manipulación emocional y lograr emociones genuinas. Recomiendo Un Monstruo Viene a Verme principalmente porque está llena de historias cuya única finalidad es demostrar complejidad moral y las cualidades contradictorias que tenemos como personas y lo difícil que es lidiar con el duelo, la pérdida y la tragedia. Es refrescante encontrar esta complejidad en una película “para niños", y es un recordatorio de la importancia en respetar la inteligencia de tu audiencia, con independencia de su edad.
Aspectos a apreciar.
El guion de Patrick Ness: El guion de Ness (adaptado de su novela) explora temas difíciles y no ofrece salidas fáciles para sus personajes; no es fácil manejar la pérdida y la tragedia, pero, como el guion de Patrick Ness ejemplifica, es inevitable no experimentar tragedia en esta vida, por lo que debemos aprender a lidiar con esas emociones, quizá no siempre lo haremos con gracia, pero puede que la importancia esté en reconocerlas, de manera honesta.
La dirección de J.A. Bayona: Bayona inició su carrera en el cine de terror con su opera prima El Orfanato y esto es evidencia de cómo un director que sabe hacer terror, puede trabajar en cualquier otro género. La llegada del monstruo es particularmente efectiva, Bayona lo introduce como el villano principal en cualquier película de miedo, en una secuencia fenomenal, todo está en el ritmo.
El diseño de sonido del monstruo: Aunque el diseño del monstruo es bastante efectivo, especialmente los ojos (que son muy humanos), es el diseño de sonido lo que en realidad le da vida, como sus raíces crujen y truenan con sus movimientos, acompañada de la voz grave y profunda de Liam Neeson.
La actuación de Sigourney Weaver: Este es uno de los mejores papeles que Weaver ha tenido en esta etapa en su carrera, quien es frecuentemente contratada en películas de Ciencia Ficción en papeles menores como una especie de homenaje a Ripley. Pero aquí, aunque tiene pocas escenas, el material es suficientemente bueno que le permite demostrar su verdadero rango y por qué es una de las grandes actrices de su generación.
Escenas destacadas.
La primera aparición del monstruo.
¡Rompe las ventanas, Connor!
La venganza del hombre invisible.
Quisiera tener 100 años que darte.
Connor revela su verdad.
Connor y su abuela, bajo la lluvia.
Va a ser más que difícil.
Connor entra a su nueva habitación.
¿Dónde la veo?
HBO Max, Prime Video.
Aspectos Técnicos
Título original: A Monster Calls.
Dirección: J.A. Bayona.
Guion: Patrick Ness, basada en su novela, inspirada en una idea original de Siobhan Dowd.
Elenco Principal: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones.
Cinematografía: Oscar Faura.
Año: 2016.
Duración: 1 h, 48 minutos.
コメント